El confinamiento obligatorio nos ha llevado a reflexionar sobre el gran nivel de importancia que tiene en nuestra vida cotidiana la ciudad. Existe un movimiento de artistas contemporáneos que viene desarrollando su trabajo en relación con el espacio público y la vida urbana como soporte, plataforma de acción y materia de investigación, cuestionándola, interviniéndola y re-programándola a partir de expresiones artísticas con un compromiso social, integrador y político que se manifiesta en distintos rincones del planeta. Por oposición y ausencia, consideramos un momento clave para poner foco en las expresiones artísticas que suceden en un contexto que hoy se presenta cancelado.

Christian Riffel – Poeta
Serie Vacío #1. (2019)

Acrílico sobre sintra.

130 x 140cm.

Riffel Christian- Poeta

Aquí estoy tal como me ves (2016)

Acrílico sobre tela. 100 x 80cm

 

Riffel Christian- Poeta

#12 (2019)

Dibujo en tinta sobre papel A4. Libre de ácido 250 grs. 29.7 x 21 cm

Christian Riffel – Poeta
@ChristianRiffel_
http://www.christianriffel.com

Muralista, artista visual.
A fines de los años ‘90 comenzó su carrera de muralista en San Martín (Buenos Aires) al mismo tiempo que estudió Diseño
Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA).
Realizó murales en diversos países de América y Europa. Participó de muestras colectivas, residencias y festivales de arte
urbano internacionales.
Hacia 2010 se vuelve a la abstracción y la geometría, a través del lenguaje de la pintura, la escultura y las instalaciones
lumínicas.
De sus exhibiciones individuales se destacan: Fragmentos de nada (Beta Sur Gallery, 2019), Ver sólo se aprende mirando
(Union Gallery, 2016), Fuerza (Honneycomb Gallery, 2013); entre otras.
Sus obras pertenecen a colecciones privadas en Canadá, Alemania, Holanda, Estados Unidos y Argentina.

-Statemen

Me fascina lo que emana de la ciudad: el diálogo urbano, el graffiti, la vorágine son mi inspiración. Observo la arquitectura, las medianeras, sus líneas en la ciudad. Quiero encontrar en los actos cotidianos, la magia del día lo que se despierta con la puesta del sol y la luz que irrumpe en la noche: cómo las sombras se proyectan y se desvanecen.

Llevo esta experiencia al terreno de las artes visuales. Construyo una poética de la geometría y el espacio a través de pinturas e instalaciones lumínicas.

En pintura utilizo formatos y soportes diversos. Indago por medio de elementos no figurativos, con figuras superpuestas, el color manipulado, vacíos que tensionan lo tridimensional en el plano. Dibujo líneas que se apartan de fórmulas matemáticas para avecinarse a lo intuitivo formal a la invención a un nuevo inicio cada vez. Se origina del análisis de los artistas concretos rioplatenses, el neoplasticismo, y el constructivismo ruso.

En mi trabajo instalativo me apropio del espacio inmaterial a través de dispositivos, estáticos o dinámicos, que utilizo con espejos para redireccionar la luz en el ambiente circundante a fin de irrumpir el espacio, con reflejos que generan un espacio inmaterial, que pretenden una descentralización del objeto tradicional.

Analizo las fotogeometrías de Gerarlo De Barros y German Lorca, las investigaciones sobre la luz de Maholy Nagy y la obra de Nathan Lerner y Julio Le Parc.

DOMA
Constitución (2018)

Serigrafía en papel 100% algodón. Serie de 3,
3 Colores, Plateado a base de Aluminio.

120 x 180cm

«Constitución» formó y forma parte de la gran exposición del Colectivo DOMA, «Naturaleza muerta», presentada en 2018 en la Sala Cronopios del CCRecoleta, y luego en 2019 en el Museo MAR de Mar del Plata.

DOMA
Bricks / Pirámide (2019)

Conjunto de 15 ladrillos de concreto miniatura.

16.5 x 39 x 3.5cm

DOMA
Imperio (2015)

Díptico. Serigrafías a 2 colores. Serie de 20.

70 x 50cm c/u

DOMA
@DomaCollective
http://www.doma.tv

Doma es un colectivo de artistas formado en 1998 en Buenos Aires, Argentina. Su producción se caracteriza por una mirada
crítica y ácida de lo absurdo de la realidad. Su foco se encuentra allí donde habita la contradicción y la paradoja. Trabajan
diversos formatos y de forma interdisciplinaria valiéndose de distintas tecnologías. De piezas miniaturas a proyectos de gran
escala. Desde sus orígenes en el arte urbano, el trabajo colaborativo, la experimentación y el DIY (Do it yourself) conforman los
ejes de su desarrollo.

El grupo original se conoció en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires (FADU-UBA)
durante las formaciones en las carreras de Diseño Gráfico y Diseño de Imagen y Sonido, donde algunos de los integrantes se
desempeñaron luego como docentes. Doma llevó sus acciones a la edición de un libro independiente en 2000 titulado
“Doma00”, y que dio comienzo a una cadena de dominós que involucraron la invitación del Museo MALBA en 2002, para la
exposición “Contemporáneos 2”. Ese mismo año resultaron ganadores del premio Curriculum Cero de la galería Ruth Benzacar,
exponiendo en 2003. Entre 2000 y 2004, fueron aliados del mítico canal de animación experimental The Locomotion Channel
trabajando en lo audiovisual.

Creadores del “Coloso” de Tecnópolis y fichados también en la colección permanente del MoMA en 2007 (Nueva York, Estados
Unidos) con un muñeco de diseño junto a Kidrobot. En 2011 entran en contacto y colaboran en proyectos con el gran maestro
Leon Ferrari, quien deja una marca inborrable en el grupo sobre lo que representa trabajar como “Artista”. En 2015 publican el
libro retrospectivo de gran calidad “Doma_17” con la Editora Kültur Büro Buenos Aires. Continúan con exposiciones y participaciones en distintas partes del mundo sin dejar nunca de utilizar el espacio público como origen de todos sus universos.
Hasta el día de hoy, con la ayuda del azar, del impulso y de muchas personas a su alrededor, la cadena de dominós sigue
cayendo.

En 2018 presentan su gran exposición “Naturaleza Muerta” en la Sala Cronopios del CCRecoleta luego de 1 año de trabajo
exclusivo en el proyecto involucrando equipos de trabajo en distintas partes del mundo. La misma exposición luego fue presentada en el Museo MAR de la ciudad de Mar del Plata en la temporada de verano 2019.
Llevan más de 20 años de trabajo continuo intentando generar interrupciones en los procesos de percepción simbólica, utilizando los mismos códigos del sistema y en busca de nuevos puntos de vista, acción y reacción.
Hoy, este colectivo dialoga con un nuevo proceso de contracción del capitalismo y se avoca a producir contenidos y obras que
inspiren, abran los ojos y transmitan fuerzas para lo que está sucediendo en el mundo, y para lo que se viene.
Actualmente el colectivo Doma está dirigido por Orilo Blandini y Julián Manzelli.

Elian Chali
Tangencial (2020)

Acrílico sobre tela.

150 x 100cm

Elian Chali
Software (2020)

Acrílico sobre tela.

120 x 120cm

Elian Chali
S/T (2020)

Esmalte y tinta sobre papel Canson Edition 250gms. Acid-Free, rough cut.

56 x 76cm

Elian Chali
@elianchali
https://www.elianelian.com.ar

Elian Chali, 1988. Nació y vive en Córdoba, Argentina.
Sin estudios académicos, Elian se ha formado de manera autogestiva a través del contacto con otros y participando como
agente activo del circuito contracultural argentino. Considera que la experiencia habitando ciudades es la mejor escuela para su
vida y obra.
Con 4 muestras individuales y más de 10 grupales, su trabajo se puede encontrar en mas de 30 ciudades distintas de paises
como Argentina, Australia, Bélgica, Brasil, Canadá, Chile, España, Estados Unidos, Emiratos Arabes, Inglaterra, Francia,
Alemania, Italia, México, Polonia, Portugal, Perú, Paraguay, República Dominicana, Rusia, Taiwán, Uruguay y Ucrania.
Fundó y co-dirigió Kosovo Gallery (2012-2015, cba. ar), coordinó PUENTE. Arte/Espacio Público. (2013, cba.ar), fue curador en
jefe de MAC feria de arte contemporáneo (2018, cba. ar) y participó de diversas mesas de debates y conferencias alrededor del
mundo.
En el año 2016 publicó su primer libro titulado “Hábitat” y su obra se puede encontrar documentada en publicaciones y proyectos editoriales sobre arte, diseño y arquitectura.

Francisco Díaz Scotto – Pastel
Aino (2019)

Acrílico y gouache sobre lino. 117 x 83cm

Francisco Díaz Scotto – Pastel
Kitchen (2019)

Acrílico y gouache sobre lino. 117 x 83cm

Francisco Díaz Scotto – Pastel
Bensacon (2020)

Lápiz sobre Arches cotton Paper 300g. 31x 23 cm.

Francisco Diaz Scotto / Pastel
@pastelfd
https://www.pastelfd.com.ar

Francisco Diaz Scotto es pintor y arquitecto (UBA). Lejos de la arquitectura convencional, entiende en trabajo en el espacio
público como acupuntura urbana. La mayoría de los contextos de los murales son los “no lugares”. Aquellos que quedan
relegados de los diseños urbanos irregulares y no inclusivos. Muchos de sus trabajos se sitúan en fachadas que operan como
lienzo de sus pinturas. La búsqueda principal y más compleja se orienta hacia la creación de un diálogo que resulte natural y
respetuoso con el entorno, ya que los límites de la obra se comprenden entre el espacio pintado y su entorno.
La flora que usa como referencia de sus pinturas es aquella que crece en las grietas de veredas y fachadas. Esas fisuras
generadas por un deficiente proceso constructivo son reflejo de la necesidad humana de controlar el espacio a un uso racional y
autárquico. Tomar esas pequeñas plantas y glorificarlas con su cambio de escala puede ser un mecanismo para cuestionar los
métodos modernos que tenemos como sociedad. En su atelier Francisco aplica los mismos mecanismos de búsqueda pero
siendo él mismo el límite externo de análisis, por lo cual se construye una obra profundamente personal que pone en juego el
registro y la memoria emocional de sus raíces misioneras.
Penumbras, hogar, selva y perros fuerzan el desarrollo integral de su obra.

Franco Fasoli – Jaz
Valor (2018)

Collage sobre tela. 81 x 100cm.

Obra expuesta en «Memoria y recuerdo» (solo show) en Galería Wunderkammern Milán, curador Giuseppe Pizzuto, 2018.

Franco Fasoli – Jaz
Argentina (2018)

Cerámica esmaltada. 20x33x8cm.

Franco Fasoli – Jaz
La ganadería y la agricultura (2018)

Cerámica esmaltada -masilla epoxi y madera-15x16x9cm.

«Argentina» y «Ganadería y agricultura» estuvieron expuestas en «Una historia de la imaginación en la Argentina» (muestra colectiva)
MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, curador Javier Villa, 2019 y en «Memoria y recuerdo» (solo show) en Galería Wunderkammern Milan, curador Giuseppe Pizzuto, 2018.

Franco Fasoli / Jaz
@francofasolijaz
https://www.francofasoli.com.ar

Actualmente reside en Barcelona.
Escenógrafo y muralista, el arte de Fasoli está influenciado tanto por los estudios de cerámica realizados a lo largo de su
trayectoria como por su trabajo en la calle como lienzo a finales de los 90.
Es a finales de la década pasada cuando Franco deja atrás el graffiti tradicional para introducir en su temática las vividas
contradicciones de las sociedades latinoamericanas, sus rituales y su aparentemente perenne inestabilidad.
Así, una de las características principales de su trabajo es la exploración a nivel material y escala.
Desde pinturas de gran formato en el espacio publico hasta pequeñas obras en bronce o papel, se puede observar que la
oscilación de contextos y recursos son los nutrientes que alimentan su obra.
La tensión entre la cultura dominante global y las sub-culturas como espacio de resistencia, han sido también materia de estudio
a nivel conceptual y en el propio accionar a lo largo de su carrera. Las múltiples formas de identidad tanto individual como
colectiva son la columna vertebral de esta influencia sociológica del artista.
Representado a través del conflicto, el enfrentamiento y la yuxtaposición discursiva, Fasoli no pretende responder a la incógnita,
sino más bien rediseñar el planteo constantemente, cuestionar al cuestionamiento y volverse a cuestionar a él mismo.

ARTIST STATEMENT
Mi trabajo consiste en la realización de murales de grandes dimensiones, además de collages y pinturas.
Me interesa que los murales tengan vinculación directa o indirecta con el lugar donde los realizo y hago uso de la simbología y
los rituales populares de los países que voy visitando para crear una mitología propia característica de mis pinturas, donde el
cuerpo animal y el humano se funden y confunden, y se generan luchas que son, a su vez, danzas: guerras y festejos.
Me interesan las denominadas sub-culturas o contra-culturas a la hora de entender e investigar un espacio de trabajo. La
relación entre el mainstream o la cultura dominante y estas otras culturas se muestra tanto dentro de lo que acontece en las
pinturas, en las escenas, como en mi accionar de trabajo. En este sentido me interesa mucho pensar de qué manera las
subculturas son tomadas por la cultura dominante y el mercado para generar un nuevo producto de consumo masivo. La
paradoja que surge de esta situación es algo sobre lo que reflexiono en mis proyectos.
El concepto de Identidad atraviesa gran parte de mi obra, tanto mural como de mediano y pequeño formato. Me pregunto cómo
se conforma una identidad, la individual y la colectiva. Y si existe realmente algo así como un modo estable de sentirse parte de
un colectivo o si es más bien algo que está en permanente mutación y cambio y por lo tanto, en permanente conflicto.

Gustavo Gagliardo – Defi

El día después de la última cena (2018)

Técnica mixta, acrílico sobre lienzo.

120 x 200cm

Gustavo Gagliardo – Defi
Paseo en la playa (2019)

Técnica mixta, acrílico sobre lienzo. 90 x 170cm.

Gustavo Gagliardo – Defi
Baleia (2020)

Collage. 36 x 26cm.

Defi Gagliardo
@defigagliardo

Defi Gagliardo nace en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en 1975.
Estudia Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires. Se nutre de la academia en los comienzos para luego transgredirla
creando Fase con otros artistas, un colectivo multidisciplinario que condensó arte, diseño y música. El movimiento tuvo una gran
influencia en la definición de la estética y la filosofía del arte urbano en Buenos Aires en los años posteriores al colapso
económico de 2001.
La obra de Defi se expandió más allá de las calles ingresando a galerías y dando inicio a sus pinturas. En un principio la obra
celebró la experimentación espontánea, la explosión de color y la inocente anarquía de la adolescencia en composiciones que a
menudo presentaron a sus mascotas infantiles como protagonistas. A diferencia de estas primeras producciones, en el último
período su trabajo se caracteriza por el uso de una paleta cromática cerrada y repetitiva en composiciones abstractas de gran
impacto, donde se pone de relieve el enuentro entre la composición y pensamiento digital y la resolución análoga.
En el transcurso de su carrera se ha vinculado con distintas galerías realizando varias exhibiciones. Galerías Gachi Prieto,
Agalma, Unión y Pasto en Buenos Aires; Choque Cultural en Sao Pablo y Galería Rojo en Barcelona.
En Sao Pablo tuvieron lugar dos importantes exhibiciones, en el Mueso de Arte y Sonido (MIS) y en el Museo de Arte Moderno
(MASP). En este último caso, junto a los artistas JR, Space Invader, Remed, Jan Kalaba, Chu y Tec.
Desde hace 15 años es parte de la galería A-part de Londres, a través de la cual su obra logró exhibirse en Los Angeles, Miami,
Londres y Francia.
Actualmente, reside y trabaja en Buenos Aires

Jorge Pomar – Amor
Estados Unidos – Serie SMILE OR DIE (2018)

Bandera: 90 x 140 cm / Mástil: 225 cm (alto)

Jorge Pomar – Amor
S/T – Serie SMILE OR DIE (2018)

Cerámica esmaltada. 32 x 18cm.

Jorge Pomar – Amor
S/T – Serie SMILE OR DIE (2018)

Acuarela y acrílico sobre papel Fabriano. 105 x 75cm.

Jorge Pomar / Amor
@amorbuenosaires

jorgepomaramor.com.ar

Jorge se formó de manera autodidacta escribiendo graffiti.

Desde el 2015 realiza clínica de obra con Diana Aisenberg y en el 2018 fue seleccionado para el programa de artistas en CIA. Participó en los talleres de Diego Bianchi, Alberto Goldenstein, Guillermo Ueno, Oscar Smoje, Mariano Sapia, Jorge Gonzáles Perrin, Dolores Casares en Buenos Aires y en el taller de Martín Reyna en París.

Además de trabajar con cerámica, collage, diseño gráfico, textiles, instalaciones, fotografía, video y publicaciones impresas, desarrolla un cuerpo de obra en espacios públicos y privados. Su trabajo puede encontrarse en más de veinte países.Es co-fundador de la editorial Bucle y los colectivos La Baranda Galería, VVCE DJs Agency, G13 y CCC Crew.

Jorge destaca seis proyectos:

-“Altrove Project”, mesa de debate en Museo MARCA, Catanzaro, Italia, 2019

-“Bala de plata”, exposición de La Baranda Galería en Casa Omar, Buenos Aires, Argentina, 2018

-“SMILE OR DIE OR SMILE”, exposición individual en Quimera Galería, Buenos Aires, Argentina, 2018

-“64 tonos de Buenos Aires”, obra pública permanente emplazada en Buenos Aires, Argentina, 2018

-“Warm City”, residencia en Ivano-Frankivsk, Ucrania, 2015

-“1.668”, exposición colectiva en Palais de Tokyo, París, Francia, 2010

Obtuvo una mención en el 105º Salón Nacional de Fotografía y fue seleccionado en la disciplina Cerámica.

Filmó y produjo “Trece Cifras”, película presentada en museo MACBA y en museo MAR.

Editó y publicó seis libros en diversas editoriales.

Desde el 2012 dirige Casa Omar, espacio de residencias, muestras y talleres.

Vive en Buenos Aires.

Julian Manzelli – Chu DOMA
Ángel (2012)

Objeto Multilaminar de Pared. Madera MDF Laqueada. 40 x 40cm.

Julian Manzelli – Chu DOMA
Gran Visita (2020)

Acrílico sobre tela. 70 x 70cm.

Julian Manzelli – Chu DOMA
ContraTrompo #1 (2020)

Escultura en madera maciza. 42 x 18cm.

Julian Manzelli // Chu Doma
@ChuDoma
https://www.studiochu.tv

Nacido en Buenos Aires, Argentina, Julian Manzelli ( alias Chu ) se desarrolla como artísta multifacético que explora diferentes
formatos y técnicas, contraponiendo la vida urbana, la ciencia y la naturaleza.
Sus comienzos artísticos fueron junto al colectivo DOMA, grupo que sigue integrando desde 1998. En este círculo se desarrolla
en la experimentación audiovisual, conceptual y expresiva, encontrando en el espacio público el medio natural para su trabajo.
A comienzos de los 2000, forma parte de un reducido grupo de artistas que intentan llenar de color las grises paredes de
Buenos Aires luego de la crisis. Utilizando el poder de los personajes y creando un estilo referente, modifican el espacio urbano
revalorizandolo. A este movimiento Claudia Kosak, Dr. en Letras, Investigadora UBA, lo llamó “Muñequismo”, un movimiento
local que en parte derivó en el nuevo muralismo contemporáneo.
Más adelante, su búsqueda plástica se fué orientando hacia el equilibrio abstracto de sistemas geométrico expresionistas,
caracterizados por cruces formales, el color y el uso de la de-construcción se sus personajes. En su obra artística claramente
puede encontrarse la influencia de la animación y el movimiento. Destaca en su último trabajo de estudio, además de las
pinturas, las piezas multilaminares de madera y las esculturas magnéticas.

Atraviesa una juventud influenciada por la cultura skate, los viajes y la biología. Se gradúa de Diseñador Gráfico en la Universi-
dad de Buenos Aires en el año 2000, donde continúa como docente por más de 10 años . Luego de adquirir diversas herramien-
tas de la profesión, rápidamente se enfoca en la dirección de animación y el trabajo artístico experimental.

El trabajo colectivo representa una parte fundamental en su desarrollo, vinculándose a diversos proyectos además de DOMA.
Durante los años 2001 y 2004 forma parte del equipo creativo de la mítica señal “Locomotion Channel», un canal de culto de
animación para jóvenes y adultos transmitido en toda América Latina e Iberia.
Desde 2008, primero junto a la Galería TURBO, del Colectivo Doma y luego en forma independiente vinculado al Centro
Cultural Recoleta, se desempeña como curador de proyectos específicos y en línea con su trabajo.
Como Director de Animación a trabajado en VideoClips Musicales, Cortos Experimentales, la MiniSerie ”AltasGafas” emitida en
BoomerangTV de Turner y el proyecto en proceso “Globolab” y “MiniGlobo”.

Mariano Antedomenico – El Marian
Refugiados (2018)

Acrílico sobre tela. 75 x 105cm.

Mariano Antedomenico – El Marian
Revuelta (2020)

Acrílico sobre tela . 70 x 100cm.

Mariano Antedomenico – El Marian
Capucha (2018)

Acrílico sobre papel. 38 x 28cm.

Mariano Antedomenico / El Marian
@EL.MAR.IAN

Mariano Antedoménico es El Marian, o viceversa.
Es artista plástico y muralista autodidacto. Nació en 1983 en Buenos Aires, criado en el Barrio de Villa Pueyrredón.
Pinta conflictos sociales que plasman su punto de vista acerca de la actualidad: “La idea detrás de cada imagen nos excede
como individuos, nos corre del eje y nos hace reflexionar sobre una realidad más grande. Son mensajes crudos y honestos.”
«Cosas que no me gusta ver, las pinto y quedan lindas, pero no lo son.»
Ha participado en festivales, muestras colectivas e individuales en Buenos Aires, Mar del Plata, Córdoba, Salta y Santa Fe
(Argentina), en Bogotá (Colombia) y Catalunya (España).

Mariela Ajras
S/T (2017)

Técnica mixta. 155 x 155cm.

Mariela Ajras
Estudio de luz en sillón (2018)

Óleo sobre tela.  50 x 33cm.

Mariela Ajras
Estudio de rojo (2018)

Óleo sobre papel 100% algodón 300 gr. 29,7 x 21cm.

Mariela Ajras
@marie_ajras
https://www.marielaajras.com

Mariela Ajras (Buenos Aires, 1984) es una Artista Plástica, Muralista y Lic. en Psicología (UBA) argentina. Desde temprana
edad, estudió pintura y dibujo. Desde el 2012, comienza a desarrollar su carrera como muralista a gran escala, teniendo la
oportunidad de viajar por diferentes países del mundo: Estados Unidos (LA, SD, SF, MA, HI), Europa (España, Italia, Bélgica,
Alemania) y Latinoamérica (México, Colombia, Uruguay) invitada a participar en diversos festivales de Arte Urbano, simposios y
proyectos de arte público.

Su trabajo se concentra en la imagen de la mujer y la pregunta sobre lo femenino.
El ejercicio de la memoria colectiva y personal, las fuerzas de la reconstrucción del recuerdo y el olvido son temáticas que
también atraviesan el contenido de su obra.

Psicóloga de formación, dicha experiencia influye de lleno en su producción conceptual y, también, en la impartición de talleres
de muralismo orientados a la comunidad que utilizan el arte como una herramienta de intervención comunitaria.
En 2018, Public Art Review la reconoció como una de las representates del movimiento de artistas mujeres de Sudamérica.

Martín Kazanietz – GordoPelota
D-Fense (2018)

Acrilico sobre tela.

110 x 100cm

Martín Kazanietz – GordoPelota
Secco (2019)

Acrilico sobre tela.

60 x 50cm.

Martín Kazanietz – GordoPelota
Mens Sana In Corpore Sano (2018)

Serigrafia a 7 colores. 28/40

70 x 50cm.

Martin Kazanietz / GordoPelota
@gordopelota
https://www.gordopelota.com

Martin Kazanietz – 1985
Su trabajo hasta hoy está casi exclusivamente dedicado a explorar la cultura del fútbol amateur, y cómo ésta puede funcionar
como una crítica al mundo industrializado del deporte moderno.
Trabaja con imágenes simples, directas, y con un toque de humor. El humor es siempre autoreferencial, y sirve para digerir el
fracaso, la tragedia. Sus pinturas son un guiso que lleva todo lo que admira de varios artistas folk como Florencio Molina
Campos, Bebeth, Mordillo, Archibald Motley, o Beryl Cook.
Intenta hacer una investigación de campo casi exhaustiva, y con sus pinturas, jugar a elaborar pequeñas hipótesis-reflexiones
que nos ayuden a repensar el fútbol como catalizador social-cultural.

Estudió diseño en la UBA y pasó un breve período por el taller de Diana Aisenberg, pero su formación como artista viene de la
calle. Un par de años pintando graffiti lo llevaron a intentar otro tipo de intervenciones en el espacio público. Trabajó como
asistente de muralistas y terminó pintando murales tanto en la cancha de San Telmo en La Isla Maciel como en La Bombonera.
También trabajó un período como ilustrador para las mejores medios y publicaciones del costado cultural del fútbol como So
Foot, Pickles Magazine, Patterns of Play, Victory Journal, Mundial Mag y Copa 90.
Además de participar en muestras individuales y grupales en Buenos Aires, su trabajo de taller fue expuesto en Estados Unidos
(Richard Heller Gallery en Los Angeles, Swim Gallery en San Francisco), Francia (Adda Sarto en Paris) España (Montana
Gallery Barcelona, La Causa Galería en Madrid) y Bélgica (Play it at Anderletch stadium).

Milu Correch
No ser (2016)

Oleo sobre tela.

90 x 110cm

Milu Correch
Chevrolet C10 1970-2012 (2016)

Acrílico sobre tela.

90 x 60cm.

Milu Correch
Infancia (2016)

Aguafuerte.

29 x 24cm.

Milu Correch
@milucorrech
https://www.milucorrech.com

Milagros Correch, (1991, Villa Urquiza, Buenos Aires), más conocida como Milu es una muralista argentina reconocida a nivel
internacional por sus murales e ilustraciones realizados a grandes escalas. Sus obras son visibles en diferentes ciudades de
Argentina y del mundo.
En 2017, una de sus obras realizada en un barrio de la ciudad de Quilmes fue reconocida como uno de los siete mejores
murales del mundo por el sitio especializado Street Art Today de Holanda.
Comenzó su carrera como artista en 2012 cuando pintó su primer gran mural en las calles de Buenos Aires. El año siguiente,
colaboró con el proyecto «Construir un Lugar Mejor Sin Destruir Los que Tenemos» dirigido a regenerar los paisajes urbanos con
arte callejero y el resultado de su participación fue la inmensa obra sobre el personaje de Cervantes, Dulcinea, ubicada en
Quintanar de la Mancha, España.
En 2015, exhibió sus dibujos y grabados en Roma, Italia donde además realizó la intervención pública de la obra titulada
«Discípulos de Peter Pan», niños superagentes, redimiendo a adultos del absurdo. Ese mismo año fue invitada a crear murales
en varias ciudades de España, Alemania y Bélgica.
En 2016 además de pintar murales en Buenos Aires, pintó en diferentes ciudades de Suecia e Italia.
En 2017, Milagros Correch fue invitada a participar del Circuito Urbano de Arte para realizar un mural en el marco del aniversario 120 de la ciudad de Belo Horizonte, Brasil. De ello resultó la obra titulada ”Ajo Y Vino“ que muestra a dos mujeres desnudas
con máscaras bailando en frente de botellas de vino, rodeadas de cuervos. Ésta obra se encuentra en un edificio de 28 pisos de
altura por lo que se constituyó en una de las más altas de América Latina.
En 2018, participó del Festival Internacional de Graffiti y Arte Urbano en Campobasso, Italia pintando una obra tributo a Hécate,
diosa de las brujas, hechicerías, de la noche, de la luna, los fantasmas y la nigromancia.
Sus murales son pintados con la técnica de diseño, rodillo, pincel y cuadrícula. Los temas de sus obras se centran principalmente en figuras mitológicas y antropomórficas, en las que se fusionan iconografías de América Latina, clásicas y antiguas con
personajes de mitos modernos.

Nicolás Romero – Ever
Empatía (2020)

Óleo y acrílico sobre lino.

120 x 90cm.

Nicolás Romero – Ever
Consciense de classe (2019)

Óleo y acrílico sobre tela.

60 x 40cm.

Nicolás Romero – Ever
México (2019)

Grabado  a punta seca. Numerado 5/13.

50 x 35cm

Nicolas Romero / Ever
@eversiempre
https://www.eversiempre.com

Artista visual.
Nació, vive y tiene su taller en Buenos Aires, Argentina. Asiste actualmente a la clínica de obra con Diana Aisenberg. Su
formación se inicia en el año 1998 en pintura y dibujo con Ariel Olivetti. Luego durante el 2007 se forma en el Centro Cultural
Rojas. Expuso individualmente en Buenos Aires («La Cabeza», Dinamica Gallery, 2015). Participó en numerosas muestras
colectivas. Como por ejemplo en el Museo Macro de la ciudad de Rosario, Bienal de intervenciones urbanas en el CCEC,
Córdoba, Museo Caraffa, Palais de Glace, Colección Fortabar etc. También participó en muestras individuales y colectivas en
países como Francia, Italia, Holanda, Sudáfrica, Austria, España, Australia, México y Estados Unidos. Actualmente se encuentra
preparando su segunda muestra en Los Angeles, Estados Unidos.

Nina Kunan
Manjar (2019)

Escultura réplica de mobiliario urbano forrada en charol y satén.

35 x 35 x 45cm.

Nina Kunan
Cafeterita (2020)

Cafetera forrada en lona con apliques y brillo incrustado.

25 x 22 x 15cm

Nina Kunan
Golosina (2019)

Fotografía registro de vestido sobre fuente en Turín, Italia.

60 x 40cm

Nina Kunan
@ninakunan
https://www.ninakunan.com

(1990, Buenos Aires)
Artista visual, Licenciada y Profesora en teoría e historia de las Artes Plásticas (UBA – FFyL). Actualmente estudia costura y
tapicería, asiste a clínica y taller de obra con Marina De Caro. Fue agente CIA 2018 (Centro de Investigaciones Artísticas)
dirigido por Roberto Jacoby y Kiwi Sainz. Se formó en pintura y dibujo con Eduardo Stupía (Universidad Torcuato Di Tella
2015/2016), Alfredo Londaibere y Bárbara Low. Ganó la beca de intercambio BECAR Cultura (Turín, 2019) y la Beca Creación
FNA (2018), seleccionada en Premio KLEMM (2019), Premio Proyecto-A (2017) y Residencias RARO Madrid (2017). Expuso
individualmente en Buenos Aires y participó en numerosos festivales y muestras colectivas, tanto nacionales e internacionales.
Actualmente trabaja en su propio taller e integra los equipos de proyectos autogestivos como La Baranda Galería, Editorial
Muchas Nueces y Proyecto NUM.

Pablo Harymbat – Gualicho
Stroke #12 (2019)

Enamel y acrílico sobre tela.

160 x 205cm

Pablo Harymbat – Gualicho
Gesto aumentado (2019)

Pintura automotriz y laca clear sobre madera. Serie de 7.

34 x 53 x 16cm

Pablo Harymbat – Gualicho
Progresión lógica (2019)

Impresión 4/0 por offset digital a 180lpi con laca OPP Mate Soft touch, en papel ilustración mate de 200grs. Copia 1/2.

53 x 74cm

Pablo Harymbat / Gualicho
@pablo_harymbat
https://harymbat.com

Pablo Harymbat (nacido en 1977) es un artista argentino con base en Buenos Aires. Trabaja en varios formatos, como el
muralismo, la cerámica, la escultura, el dibujo y la animación. Comenzó a pintar, tanto graffiti como sobre lienzo, en los años 90s
a la edad de 14 años. Sus primeros murales públicos a gran escala aparecieron en 2004 como icónicas composiciones
psicodélicas, hechas generalmente con solo tres colores que firmó durante muchos años como » Gualicho «.
Nunca temiendo el cambio, dejó este apodo y comenzó a usar su nombre real. La búsqueda constante de originalidad e
innovación lo llevó a una nueva exploración de la geometría a partir del uso de una herramienta intuitiva creada por él mismo.
Sus trabajos recientes son etiquetas estilizadas hechas a mano a partir de varios colores extruidos.
La exploración de lo orgánico y mecánico con un toque futurista retro, parece ser un leitmotiv durante todos estos años.
Ha pintado y realizado exposiciones en varias ciudades del mundo.

Pedro Perelman
Recuerdos partidos I (2019)

Acrílico sobre tela.

150 x 150cm

Pedro Perelman
El descanso (2019)

Escultura en cerámica, madera, pintura. 3 Figuras de

15cm cada una.

Pedro Perelman
Puño (2019)

Escultura en cerámica,  base madera.

10 x 10 x 10cm

Pedro Perelman
@pedro_perelman
https://pedro-perelman.com

(Buenos Aires-1979)
Se formó en la escuela italiana de Cristoforo Colombo en Buenos Aires, y luego estudió diseño gráfico en la Universidad de
Buenos Aires, donde ingresó al colectivo artístico FASE, formado en el año 2000, y que junto a otros artistas y crews dieran
inicio a la escena local del street art. Desde entonces su trabajo es multidisciplinario, su obra posee una clara impronta experimental y gráfica y se manifiesta en cuadros, música, esculturas, murales, animaciones.
Este backround ha ido fusionándose a lo largo de su carrera con el trabajo mural y las expresiones mas clásicas del arte como
la pintura de caballete, dando como resultado obras cada vez mas equilibradas entre lo orgánico y lo geométrico, entre lo
pregnante y lo climático y se ha manifestado en telas, paredes, serigrafías, grabados o instalaciones, entre otros soportes. Sus
pinturas son figurativas y surrealistas, mientras que su lenguaje estético se basa fundamentalmente en la exploración de
recursos

Pum Pum
Galaxia 04 (2015)

Madera en capaz y esmalte sintético.

82 x 82cm

Pum Pum
Sueños (2019)

Acrílico sobre tela.

70 x 70cm

Pum Pum
Crecimiento 02 (2020)

Acuarela y lápiz sobre papel con sello Pum Pum. Schoellershammer Torchon. Acid Free 250gr.

48 x 36cm

Pum Pum
@holapumpum
https://www.studiochu.tv

Artista
Muralista.
Buenos Aires.
Desde siempre dibujó y luego se interesó por el diseño gráfico, pasando por la FADU, UBA.
Manteniendo la ilustración en paralelo con todos sus proyectos y en la búsqueda de experimentar con diferentes escalas,
soportes y técnicas, sus trazos se trasladaron del papel a las paredes de la ciudad, dándole libertad a su obra.
Con el tiempo creó un universo de personajes de estilo reconocible y sintético,a los que fue incorporando referencias de otros
mundos, como la música, los sueños, la naturaleza y los animales.
Comenzó a generar situaciones poéticas en medio de la vorágine de las grandes ciudades —muchas veces hostiles— con
pequeños relatos caprichosos que crearon un efímero lugar de encuentro, un oasis de color y belleza en lo cotidiano.
Participó en exposiciones individuales y colectivas en diferentes museos y galerías.
Actualmente se dedica al arte urbano contemporáneo, produce murales en diversas ciudades del país y del mundo.
Alterna la pintura en la calle con el trabajo en estudio e investiga diferentes formatos.
Participa en proyectos y festivales nacionales e internacionales, exposiciones y publicaciones. Colabora con otras disciplinas y
con artistas de diferentes rubros.
En la actualidad forma parte del equipo docente de la cátedra Roldán de ilustración,
y del Posgrado en ilustración profesional, ambos en FADU UBA.

Rodrigo Rodríguez
El río y el sedimento (2018)

Óleo y esmalte sintético sobre tela.
Díptico: 150×100 cada uno.

Rodrigo Rodríguez
53kg

Escultura en cemento pigmentado, escombro, tela de avión.

Altura: 115 x 45 x 35

Rodrigo Rodríguez
S/T (2018)

Escultura en cemento pigmentado.

40 x 13 x 13cm /  5 kg.

Rodrigo Rodriguez
@rodrigorodriguez_86

Buenos Aires, 1986.
Mi formación artística comenzó a los 14 años pintando vagones de tren en los márgenes suburbanos de la ciudad. Dedique 15
años con mucha intensidad al graffiti, disciplina que me llevó a vivenciar la ciudad y sus errores de manera extrema. Experiencias marginales, los túneles del subte y largos viajes me forjaron una mirada crítica respecto al urbanismo, la arquitectura y su
vínculo con la cultura y el uso del espacio tanto público como privado. Durante el transcurso de estos 15 años de grati,
desarrolle un extenso registro fotográfico que me sirvió (y me sirve) de referencia e inspiración en la pintura y la escultura.
En el 2008 reprobé el ingreso a la carrera de “artes multimediales” del IUNA, mismo año en el cual fui invitado a participar de
“Ficus repens”, la primer exposición (y mi primer exposición) institucional de grati y muralismo en el Palais de glace, curada
por Oscar Smoje y Lucas Zambrano. En el 2016 gane el 2do premio para artistas emergentes de la fundación Vittal, lo cual
derivó en mi primera muestra individual titulada “Estructuras del caos” en el espacio MODOS. En el 2017, gane el 3er premio de
pintura en el salón del Banco de Córdoba. Desde el 2018 curso clínica con Diana Aisenberg.
Hoy día mi trabajo reside principalmente en la escultura y la instalación. Utilizo materiales comúnmente utilizados en la construcción y la albañileria, y de manera cuasi abstracta busco enfatizar los paralelismos y analogías existentes entre los binomios
cuerpo/materia, naturaleza/cultura, rigidez/blandura solo por nombrar algunos.
Actualmente vivo y trabajo en la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Sol del Río
RC I (2019)

Instalación de muro, pintura acrílica y spray sobre madera MDF calada. Piezas ensambladas.

125 x 110  x 4cm

Sol del Río
LC (2019)

Acrílico sobre tela.

100 cm x 80 cm

Sol del Río
RC I (2016)

Serigrafía, papel 420 grs.

74 x 55cm

Sol Del Río
@sol_del_rio
https://soldelriomv.wixsite.com/soldelrio

Sol del Rio Investiga la interfaz como paisaje visual, la simultaneidad espacio-temporal y la intersección entre naturaleza y
tecnología. Utiliza diferentes medios y softwares trabajando con pintura, instalación, sonido, animación y performance. Estilo
mínimal-techno industrial con estética deconstructivista, neo-futurista.
Desde 2008 trabaja activamente en su obra plástica y crea piezas audiovisuales experimentando con diversas técnicas analógicas y digitales. En 2011 hizo su debut Live en SAT, Montreal; desde entonces se presenta en formato AV en festivales y museos
alrededor del mundo. Produce y edita Resonancia, Luminar y Screenshot entre 2016 y 2018. Estas obras sonoras y visuales
fueron parte del concierto que realizó en Ciudad de México y luego en Tokio. D construct, su pieza más reciente fue lanzada en
formato audiovisual en la muestra individual mixed-media que exhibió en marzo de 2019 en Pabellón 4, Galería de Arte Contemporáneo. Este mismo año fue presentada en vivo como parte de su Set en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En
diciembre expuso sus pinturas junto a una selección de artistas internacionales en Lélia Mordoch Gallery, Wynwood, Miami.
Exhibiciones/Ferias/Festivales: Festival MUTEK Montreal Canadá, Panorámica, Fundación Telefónica; Red Bull Music Academy
ARG, Videofest, Museo de la Mujer, Córdoba; Trimarchi, Mar del Plata; Ciclo Bellos Jueves, Museo Nacional de Bellas Artes; Art
Futura, MALBA; Planetario Galileo Galilei; Centro de Museos; Galería Mite; Feria ArteBA; Kostume, BAFWeek; Centro Cultural
Recoleta; Centro Cultural de España BA; + CÓDE, El Cultural San Martín; Galería Alpha Centaury; Espacio PLA; Pabellón 4
Arte Contemporáneo; CCM; ArtLab-Unlock, Cúpula CCK; Museo de Arte Decorativo BA; L´Oréal, Ninch Agency, Madero Walk;
Coca Cola Company, Grupo Mass; Adidas, 90+10 Ideas, Santos; Walmer Interiorismo, Arts and Pics Gallery; Festival Escuchar,
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Lélia Mordoch Gallery, Miami, USA; MUTEK Argentina; Fábrica, CDMX, México;
WWW, Tokio, Japón.
Su trabajo fue destacado en medios de prensa como Diario Clarín Suplemento S!, Revista Ñ; Página 12, Suplemento NO; ADN
Cultura, La Nación; 90+10, Adidas Networking; Blog Sounds and Colours; Indie Hoy; Revista Rolling Stone.

TEC

Los cavacos (2016)

Acrílico sobre tela.

70 x 100cm

TEC

Sambista pequeño (2018)

Acrílico sobre tela.

70 x 50cm

TEC

Cabeza (2018)

Acrílico indian ink sobre papel.

105 x 75cm

Tec
@tecfase
https://tecfase.com

La combinación de soportes y técnicas es la tónica del trabajo de el artista cordobés, que hace de la calle su fuente de inspiración estética. Tec explora la ambiguedad de los espacios públicos y privados del arte, haciendo uso de métodos diversos:
intervención perfomatica, instalaciones de site-specific y videos de acción. El artista innovó y amplió la escena del arte callejero
de Brasil con sus dibujos gigantes pintados sobre el asfalto, haciendo uso de la perspectiva a distancia. Para registrar estos
trabajos, mapeando el circuito de su producción, filma y captura las imágenes con una cámara acoplada a un dron. Ya sobre
lienzo, Tec une la velocidad del action painting al rigor formal de las capas que se sobreponen en cada pintura. Su trazo y el
manejo del color huyen del conocimiento establecido para establecer por el acto creativo una nueva interpretación de lo real.
Sus obras reafirman su relación con la ciudad, expresada en un intenso dialogo entre la acción y el control. Su producción en
conjunto manifiesta una notable identificación con el universo poético infantil, ya sea por los grafismos, las imágenes o los
colores.

TESTER
Aguijonear (2012)

Técnica mixta sobre madera.

123 x 123cm

TESTER
O Connor (2019)

Técnica mixta sobre tela.

180 x 180cm

TESTER
VIC (2019)

42 x 26cm

Tester
@testermariano
https://www.flickr.com/photos/iamtester/

Tester, porteño, padre. polarizado, autodidacta. Posee documento tigrense. Fundo colectivos de línea: Run Don’t Walk (colectivo
de arte) y Hollywood In Cambodia (galería orientada al arte urbano, la ilustración, etc.), Club Albarellos (Artes y Oficios),
Amoeba (Banda), buen cocinero, le gusta tanto caminar como tomar sol en posiciones extrañas; habla poco, mas cariñoso que
romántico, inquieto, porta miopía y astigmatismo; odia los electrodomésticos y la mayonesa. El mariscal del área chica
-futbolísticamente hablando-, se considera un ex pibe de departamento y le gusta bailar, no pierde las mañas bla, bla, bla.
Actualmente se aboca a la técnica de stencil y esta retomando su etapa de dibujo a mano alzada. Pasas sus días apuntando a
obras graficas, decoración y muralismo. Tiene un taller partido en dos Tigre y Palermo (Galeria Union).
Otros…
Autoeditó Analogue Book Of Crime (2009), libro de serigrafías totalmente análogo y perfumado con flores muertas, 48 páginas,
100 copias… Va por el scketchbook número 39. Practica serigrafía rústica, hace stencil, dio charlas por un montón de lados
pero es tímido y no le va; de tanto en tanto se despacha con algún fanzine, colaboró en la realización de Expression Session ,
coló una seri en Ser y Grafía (2009, SP), Saba Projet (2009, París), CCEBA junto a HIC 2010.,Colectiva XXL para Turbo Galeria
en el Champion (2011, La Boca)

Producción Digital Hernan Chinaski

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TÉRMINOS Y CONDICIONES

CONDICIONES DE VENTA

Por el solo hecho de participar en la subasta de Galería Azur, ya sea de manera presencial, telefónica, online u oferta secreta bajo sobre, se entiende que el comprador conoce y acepta las siguientes condiciones de venta:
1. Quién haga la oferta más alta reconocida por el subastador, será el comprador. En caso de disputa entre compradores, el subastador tendrá la libertad absoluta de determinar el postor ganador, continuar la subasta, cancelar la operación y/o ofrecerlo de nuevo.
2. El comprador deberá abonar el valor final ofertado, sumada la comisión de la Galeria, la cual asciende al quince por ciento (15%). El impuesto al valor agregado (21%) grava solamente la comisión.
3. El comprador deberá abonar en la moneda consignada, (en caso de valor consignado en U$S se tomará como valor de referencia cotización MEP Banco Nación, del día de la fecha en que se efectivicen los correspondientes pagos). La cancelación del pago deberá realizarse dentro de las 72 hs hábiles posteriores
a la fecha de subasta.
4. Habiéndose cumplido el plazo establecido para la cancelación total del pago, Galería Azur, podrá dar por rescindida la operación con la pérdida de las sumas entregadas por el comprador en concepto de seña y comisión, como así también todo derecho sobre aquello que le fuera adjudicado en el curso de la subasta.
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6. Habiendo estado en exposición en Galería Azur, las piezas a subastarse, para su correspondiente estudio y análisis, no se admitirá reclamo alguno una vez bajado el martillo, ni se asume obligación de garantía hacia el comprador respecto, época o estado, avería u otro defecto, aunque no se hubiera detallado en el catálogo o cualquier otro material publicado.
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